Moscú Imperial

Contrario al desarrollo de la arquitectura en europa durante la primera mitad del siglo XX, en el imperio soviético los arquitectos (y el partido al mando de Stalin) se encargan de enterrar las visionarias ideas del constructivismo bajo la premisa de que los estilos englobados por el modernismo estaban al servicio de la burguesia, por lo tanto al no servir al pueblo su utilidad era nula.

Para 1931-1933 se lanzaría una convocatoria a todos los arquitectos a participar en el diseño del Palacio de los Soviets (al concurso se presentaría la corriente modernista representada por trabajos de Le Corbusier y Gropius); esta iniciativa se vería reforzada por la presentación en 1935 del Plan General para la Reconstrucción de Moscú, en él se establecía como objetivo colocar a la ciudad en las miradas de todo el mundo como ejemplo del mundo socialista.

El florecimiento de la arquitectura estalinista correría a lo largo de 3 décadas (con la mayoría de sus proyectos jamás concretados), enfocando el diseño a un formalismo extremo, preocupandose por la imagen y obviando partes fundamentales del proceso de diseño como el cuidado del entorno y del patrimonio, pues un requisito para el concurso era mostrar al edificio no como un ente aislado, más bien como parte integral de una sistema altamente unificado, simbolizando la robustes de los logros socialistas. Es por tanto una arquitectura de fachada, que al tratar de materializar los ideales del socialismo utópico, se olvidan de la individualidad y del principal objeto de sus luchas sociales: el hombre.

Glaspaleis

Surgido de la suma de 3 voluntades modernistas, en 1933 se inician los trabajos para la construcción de los Almacenes Schunken en Heerlen; por una parte la del industrial quien con su gran visión (no solo para los negocios) agrega al programa arquitectónico requerimientos como: la posibilidad de exhibir todos los productos en un area que recreé la atmosfera de un mercado, por lo tanto no deben existir muros que impidan el tránsito y restringan el campo visual del cliente.

Por otra parte esta el trabajo del joven arquitecto (Fritz Peutz n. 1896, Uithuizen)  simpatizante de los movimientos renovadores del arte y la arquitectura; reflejado en la elección de los materiales de construcción (en contradicción con su trabajo para la Iglesia, con un metodo proyectual y constructivo más apegado a la tradición), concreto reforzado, acero y cristal; dando como resultado un edificio transparente desde el interior y un gigantesco escaparate desde el exterior.

La política modernista del alcalde y su deseo de brindarle un aire renovado y cosmopolita a la ciudad son el factor que permitirá (gracias a el otorgamiento de permisos y abolición de restricciones) la materialización del proyecto y su puesta en marcha en 1935.

Conjunto Weissenhof

En 1927 se celebra en Stuttgart la exhibición de la Deutscher Werkbund (Asociación Alemana de Trabajadores, fundada en 1907); y para tal efecto se comisiona a Mies van der Rohe como director de proyecto para la construcción de un conjunto habitacional para trabajadores; con el objetivo de buscar y exponer nuevas soluciones de vivienda para los ciudadanos modernos.

Con Mies en la elaboración del plan maestro, se extienden invitaciones a 16 arquitectos más, para que participen con sus soluciones personales a la vivienda moderna; es decir el uso de materiales industrializados, elementos prefabricados, acero en estructura; sin mencionar los principios del funcionalismo y la aversión a corrientes como el art noveau. El programa arquitectónico de cada construcción requería el diseño de una planta piso flexible y brindar la sensación de libertad en cada uno de los espacios.

En menos de 6 meses 21 casas estaban terminadas; para finales del mes de octubre medio millon de visitantes habian recorrido la exhibición; también para esta fecha las criticas adversas al conjunto llegaban por el flanco conservador, encabezado por Paul Schmitthenner de la Escuela de Stuttgart, quienes creian que los métodos y estilos tradicionales reflejaban mejor el carácter alemán, y bajo su dirección para 1933 a solo 500 metros de Weissenhof ya se habia construido su antitesis.

En la actualidad siguen en pie 11 de las 21 casas, luego de un trabajo de restauración que se extendería por 7 años, encabezada por la asociación Amigos del Conjunto Weissenhof.

Casa Schröder

El arrivo del nuevo siglo (XX), llega a las artes para confrontarlas con los aires de modernidad y expectación que se generan por el rápido avance de la ciencia y la tecnología; nuevos descubrimientos hacen posible cosas que eran impensables solo unos cuantos años atras. En todo esta avalancha industrial, los artistas ya no encuentran suficientes para expresarse las corrientes existentes (arts & crafts, art noveau); y surgen movimientos de ruptura por toda europa, como el surgido en Holanda en 1917, llamado por sus creadores: De Stijl.

Con la idea de “hacer al hombre moderno sensible a todo lo que hay de nuevo en las artes plásticas”, surge la revista De Stijl, encabezada entre otros por Theo van Doesburg y Piet Mondrian.

En 1924 el arquitecto Gerrit Rietveld (n. 1888, Utrecht) construye la que sera considerada como la obra representativa del movimiento en el campo de la arquitectura la Casa Rietvel Schröder en Utrecht.

Apegada a los lineamientos del neoplasticismo, el diseño atiende a la universalidad, en el sentido más amplio del término, pues la distribución interior no es estática; se construyeron paneles movibles para dividir los espacios, brindandole la capacidad de adaptarse a las diferentes actividades de sus dueños. Las fachadas acusan a primera vista su origen e inspiración, pues la composición es como un gran lienzo surgido del pincel de Mondrian; en el que destacan las formas rectangulares, los colores primarios sobre una base blanca y lineas negras acentuando la horizontalidad y/o verticalidad del conjunto.

20 obras de arte…

…para ver antes de morir.

Con lo que me encantan las listas (top-whatever) The Guardian publica en su sección de arte una, con el sugerente titulo: 20 works of art to see before you die; bajo la firma de Jonathan Jones, colaborador habitual del diario.

Escoge las tuyas, mi cerebro no esta capacitado para rendirme al disfrute y al mismo tiempo asignar números, por eso no hago listas, me apropio de las ajenas.

Jan van Eyck, La Virgen del Canciller Rolin (1435), Museo de Louvre, Paris.

Casa Diego Rivera

De la mano del funcionalismo radical y las ideologías europeas de vanguardia encabezadas por Le Corbusier, un joven (25 años) Juan O’Gorman (n. Ciudad de México, 1905) realiza la que será considerada la obra introductoria del funcionalismo en america latina; la Casa-Estudio de Diego Rivera y Frida Kahlo (1929-1932) en un México post-revolucionario.

“El máximo de eficiencia con el mínimo esfuerzo” es la frase que describe su obra arquitectónica temprana (en etapas posteriores de su creación arquitectónica abrazaría la corriente orgánica); con una gran conciencia social propía de su generación, plantea una disyuntiva: “La arquitectura que sirve al hombre o la arquitectura que sirve al dinero”.

Llevando hasta sus últimas consecuencias la economía de medios, en la construcción de la casa se opta por mantener aparentes todas las instalaciones; todo en el hogar es de caracter utilitario, el adorno no existe; la belleza solo es posible como una consecuencia de haber logrado la máxima funcionalidad.

Por el caracter social de su pensamiento O’Gorman se decepciona del funcionalismo; pues el ahorro de recursos en la construcción trajo como consecuencia la especulación inmobiliaria dejando al pueblo al margen de la obtención de un espacio.

Ornamento y delito

Una de las corrientes de ruptura dentro de las artes es la encabezada por Adolf Loos (n. Brno, 1870) en los albores del siglo XX; cuando publica su manifiesto Ornamento y delito en 1908; para desarrollar una arquitectura de vanguardia, moderna y libre de las cadenas del adorno, representadas por las artes decorativas de moda en ese momento.

Loos definia su método proyectual en una palabra: Raumplan. “Mi arquitectura no esta concebida en planos sino en espacios. No diseño en plantas, fachada y secciones; diseño espacios. Para mi no existen el primer o segundo nivel; solo hay espacios continuos”.

Su arquitectura a primera vista es una contraposición a la de por ejemplo Mies van der Rohe (ambos realizan obras emblematicas en 1930); pues mientras en este se percibe una apertura del edificio al exterior, en Loos pareciera que sus edificios lo repelen . Sin embargo ambos pensaban en un edificio como una sucesión de espacios, y atemporal, no limitada en su vida útil, pues al carecer de adornos su ocupación no estaria marcada por modas; “No puedo admitir la objeción de que el ornamento aumenta la alegria de vivir de un hombre culto”.

Su obra no estandariza los espacios, le otorga a cada uno de ellos la jerarquía que merece de acuerdo al proyecto, reflejandolo en alturas, ubicación y selección de materiales.

Pavellón Barcelona

El pavellón alemán para la Feria Mundial de 1929 en Barcelona es diseñado por Ludwig Mies van der Rohe (n. 1889, Aquisgrán) a partir de una de las ideas rectoras de su obra: la continuidad espacial, la eliminación de barreras. “La arquitectura es una expresión de como protegernos del mundo exterior”. Es una protección de los elementos, no de aislarnos en habitaciones cerradas.

No existe una división abrupta entre lo interior y lo exterior. Los materiales de construcción a pesar de ser fruto de la industrialización y las nuevas tecnologias (razón primordial de la organización de Ferias y poder exhibirse), no pretenden reemplazar o modificar el entorno; más bien “conquistarlo”, y como se conquista algo: solo conociendolo, comprediendolo y amandolo.

“Simplicidad en la construcción, claridad de medios y pureza de materiales serán los portadores de una nueva belleza”

Bajo estas premisas Mies realizará obras como: Villa Tugendhat en 1930, la Casa Farnsworth de 1946 a 1951 y el citado Pavellon de Alemania en la Fería Mundial de 1929. Este último desmantelado al finalizar la fería y vuelto a construir de acuerdo a los planos y materiales originales en 1983 en su ubicación original.

 

La Ciudad Nueva

“Ninguna obra que no tenga un caráter agresivo puede ser una obra maestra. Nosotros afirmamos que la magnificencia del mundo se ha enriquecido con un nueva belleza, la belleza de la velocidad”. Fuerón las palabras con que en 1909 se declara la existencia de un nuevo movimiento en las artes nacido en Italia: El Futurismo. Encabezado por el poeta Filippo Tommaso Marinetti (n. 1876, Alejandría). Penetrando en todas las artes, la arquitectura no podría quedarse al margen de las corrientes de vanguardia; por lo que en 1914 se publica en italia el Manifiesto de la Arquitectura Futurista, el responsable y creador del texto fué Antonio Sant’Elia (n. 1888, Como); en el proclama “el fín de la arquitectura según criterios preestablecidos”

” Debemos inventar y volver a construir la ciudad como una inmensa obra tumultuosa, ágil, movil, dinámica en cada una de sus partes, similar a una máquina gigantesca. La casa de cemento, cristal y hierro, sin pintura ni escultura, bella solo por la belleza natural de sus lineas y sus relieves, tan alta y ancha como sea necesario, no como lo prescriben las ordenanzas municipales”.

Proclamaba el uso y comprensión de los nuevos materiales, no como revestimiento, sino como esqueleto y alma de la Nueva Casa.

¿A 100 años de distancia que hemos aprendido?

Poema electrónico

Comisionado por Philips Co. para la construcción del pavellón que alojaría a la firma durante la Feria mundial de 1958 (la primera despues de la II Guerra Mundial), Le Corbusier (n. 1887 La Chaux-de-Fonds, Suiza) pronunció estas famosas palabras a sus empleadores “No les construire un pavellon, si no un poema electrónico y una vasija conteniendo el poema; luz, color, imagen, ritmo y sonido unidos en una síntesis orgánica”. No se si en este punto Le Corbusier tenia ya en mente a Edgar Varése (n. París 1883) para la creación del sonido, pues se sabe que rechazó la participación de otros artistas en el proyecto. Se habla de que la poderosa y dominante personalidad de Le Corbusier insistio que el único artista calificado era Varése, dandole absoluta libertad de creación al compositor.

La imagen básica de forma y función de Le Corbusier para el pavellón fue diseñar el interior a manera de “estomago de vaca”, de esta manera los asistentes accesarían en grupos de 500 a intervalos de 10 minutos; los primeros 2 minutos transcurririan en un corredor curvo mientras escuchaban una pieza de transición (creada por Iannis Xenakis, ingeniero y compositor integrante del despacho de Le Corbusier); entonces su apagarían las luces obligando a los espectadores a detenerse y durante los proximos 8 minutos se concentracen en el envolvente de musica, sonidos, luces y el film que se proyectaría. La selección de imagenes y proyecto filmico correrían por cuenta de dos artistas franceses Jean Petit y Phillipe Agostini.

La dirección de proyecto recaería mayormente en Xenakis debido a la estadia de Le Corbusier en Chandigarh, India ocupado en una obra que requería su máxima atención: una Ciudad.